Pintor visita a Pintor

Pinturas de Him Rivera

Acrílico sobre madera 2010

Técnica mixta sobre madera 2006

El Rey (no Elvis) Picasso

LA PINTURA DESPUES DEL CONCEPTO

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LA PINTURA DESPUES DEL CONCEPTO

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Casa Entre Ciruelos(Tokio) De Kazuyo Sejima

Una joven pareja con dos niños y una abuela escogió a la arquitecta Kazuyo Sejima por ser la autora de una obra “ligera, limpia, blanca y nada bravucona”; cualidades que les ayudarían a encontrar el sentido adecuado a la tensión entre la privacidad de la morada y el carácter público de una casa volcada al jardín. “Un refugio para la mente” y “Un lugar donde disfrutar de los ciruelos floridos del jardín”; esos fueron los requerimientos de la familia al encargar su casa.

Cuestionando divisiones y jerarquías

La escritora publicitaria Miyako Maekita y su esposo, un productor de anuncios, poseían un pequeño terreno en un vecindario cercano a Tokio. Con tan sólo 92,30m2, llena de ciruelos y flores salvajes, la parcela realmente parecía un jardín dentro de aquella zona residencial.

Durante mucho tiempo, la pareja había querido construir allí su hogar; una casa que fuese neutra, como un lienzo en blanco, sin nada que distrajera su vida ni el ver crecer a los hijos. Rechazaban la idea de que la casa representase su poder económico o que sirviese para llamar la atención. Su vivienda debía ser mucho más espiritual, un lugar para equilibrar la mente y relajar el cuerpo. De hecho, en las conversaciones con la arquitecta nunca citaron la frase “hogar, dulce hogar”. Estaban más interesados en construir una vivienda que ayudase a preparar a sus niños a salir al mundo. Puesto que, tarde o temprano, los hijos abandonarían el nido, no tenía sentido para ellos crear nostalgia. Así, cuando Kazuyo Sejima preguntó a Miyako qué tipo de casa buscaban, ella le contestó: “Algo como una percha temporal”.La complicidad con la arquitecta fue inmediata. Kazuyo Sejima había estudiado arquitectura en la Universidad de Mujeres, el centro académico creado después de la Segunda Guerra Mundial como reacción a las leyes japonesas que prohibían el acceso de féminas a las universidades públicas. Obviamente, el origen de esta universidad insuflaba entre sus estudiantes la actitud de cuestionar todas las normas y convenciones preestablecidas. En el caso de Sejima, tras observar los nuevos modos de vida, cuestionó la validez del hogar convencional consistente en un determinado número de dormitorios, un cuarto de estar, un comedor y una cocina. Los conceptos fijos ya no tienen validez en una sociedad de cambios rápidos.

La casa como refugio de la mente

Situada en una esquina de la parcela, la casa aparece como un perfecto cubo blanco. La puerta se fusiona con el muro, siendo el felpudo y un pequeño voladizo sus únicas indicaciones. Más aún, en lugar de las convencionales ventanas, unos cortes cuadrados se disponen localizados sin ningún orden. La lógica viene desde el interior. Al negarse a crear habitaciones estereotipadas con sus correspondientes colecciones de mobiliario, Kazuyo Sejima propuso reducir cada habitación a un mueble o una acción determinada. De ese modo se crearon hasta 17 compartimentaciones distintas, como el dormitorio de los niños, que está compuesto por una habitación-cama y una habitación-mesa. Todas estancias se disponen en una superficie total de 77,68m2 distribuida en dos plantas, con la sala del té en la cubierta.

El uso de tan pequeña superficie se aprovechó al máximo construyendo la estructura de la casa con tabiquería de acero, lo que reduce el espesor de las paredes exteriores a un grosor de 50 mm y las interiores a 16 mm. Así, la estructura, las paredes y los suelos se funden los unos en los otros y cada parte parece tener el mismo peso.Interpretando la idea de “una habitación-estudio”, la arquitecta conectó las numerosas habitaciones individuales por medio de huecos en la tabiquería sin ningún cristal, con lo que surgieron nuevas posibilidades. Algunas de las habitaciones miran al exterior a través de la ventana de otra habitación. El aire fluye libremente a través de esas aperturas, de habitación en habitación, y el niño o su gato pueden entrar o salir a través de estas aberturas. Ningún espacio está completamente aislado. Al tiempo que ofrecen una elección múltiple de acción, la idea de privacidad se hace más elástica. Los miembros de la familia pueden seleccionar su espacio de acuerdo a su estado de ánimo, a solas o con los demás.

Esta casa es un paso más en la investigación de Sejima sobre la vivienda en la sociedad de la información. Para ella, más que marcar límites, el interés se encuentra en la definición de lo existente entre espacios. Y aunque ese nuevo espacio no pueda ser visto, puede ser experimentado. Por ejemplo, en la habitación de la hija, donde el sentido de profundidad se ha eliminado. Uno puede mirar al cuarto contiguo a través de una apertura en la pared de acero y parecerle que es una habitación plana, como si se tratase de una imagen suspendida en la pared. Llega a ser un juego que toma a uno por sorpresa. Cuando un viandante pasa junto a la ventana, de repente, el espacio entre la ventana y la apertura en la pared se materializa.La vivienda en el huerto de ciruelos es más que una casa con un jardín. Es un nuevo tipo de casa que habla de cómo lo intangible puede formar parte del proyecto.Pie de fotos:a. Kazuyo Sejima (n. 1956) estudió arquitectura en la Universidad Japonesa de Mujeres, centro académico que cuestiona todas las normas y convenciones preestablecidas. (Fotografía: SANAA)b+c+d+e+f. Casa en el huerto de ciruelos (2003). Plantas, alzado y sección.g. El dormitorio de los niños está compuesto por una habitación-cama y una habitación-mesa (Fotografía: SANAA)h. La estructura de la casa está construida con paredes de acero, con espesor de 16 mm en las particiones interiores y de 50 mm en las exteriores, incluyendo estas últimas una pintura con propiedades de aislamiento térmico. (Fotografía: SANAA)i. Las 17 pequeñas compartimentaciones de la casa están experimentados como un único espacio interconectado. (Fotografía: SANAA)

La Escuela de Papel - Pinturas de Ignacio Barrientos

Niebla. Viene La Lluvia o Viene El Sol.1
99 x 52 cms. Acrílico sobre papel mural. 2009

Niebla.Viene La Lluvia o Viene El Sol. 2

93.5 x 52 cms. Acrílico sobre papel mural.2009

Niebla. Viene La Lluvia o Viene El Sol. 3

96.5 x 52 cms. Acrílico sobre papel mural. 2009

La Escuela de Papel

por Ignacio Barrientos

Sobre mis últimas pinturas y un poco de historia…
En noviembre del 2004, hace exactamente 5 años, presenté una exposición en que utilicé papel y cinta de pegar sobre tela y sobre papel. Se trataba de collages más o menos geométricos. El paisaje reducido a trozos y líneas esenciales. Ese sigue siendo el tema.
En noviembre del 2009, no hay collages, ni papel sobre papel, se trata sólo de pintura en que la línea es el color (sobre todo).

La pintura como actividad primitiva y sofisticada. Primitiva y sofisticada ya era la pintura rupestre. Soy de la tribu de los pintores de líneas, descartemos a los que alguna vez han pintado líneas (que son muchos), se trata sólo de los que han insistido en esto a través de los años.

La línea, el trazo, como gesto único que concentra a todo el universo. De eso ya han hablado hace siglos los chinos. Soy lo suficientemente “chino” para interesarme de verdad por esto.
Maduro lentamente, así espero vivir lo suficiente como pintor para ver lo que deseo. En cuanto a la belleza, la admiro, a menudo le temo y en todos los casos procuro cuidarla. Evanescencia es su nombre.

La pintura es una actividad sico-física y requiere de un entrenamiento, el que siempre pinta, está listo para caminar por cornisas.

Estas tres pinturas son un retorno al papel y son mi escuela de papel. Al ser las primeras de este tipo en bastante tiempo, son un tanto lentas y estáticas, pero afirmativas y no enmascaradas. Lo importante en este caso es el ejercicio que conllevan y el lugar al que llegué. Las nuevas pinturas partirán desde ese punto y ahí comienza la verdadera acción… Esto ocurrirá sólo si no me detengo.

Niebla, 7 de Nov.2009

Argumentos de Xams

Xams artista y superartesano

Los Argumentos de Xams

Por Ignacio Barrientos F.

Tengo el agrado de presentar obras de Xams 2009. Se trata de una creatividad que no decae y que sigue explorando con habilidad las posibilidades de su universo.

Xams, escultor y pintor, ese es el orden en que le gustaría definirse, apegado siempre a la utilización de materiales básicos, no necesita de medios tecnológicos para producir un arte inquieto por los problemas de su tiempo. Xams en este sentido es un digno continuador de Picasso. Muchos decimos admirar la obra de ese fenómeno plástico que es Picasso, pero Xams en particular en sus esculturas practica una cercanía con ese trabajo. Nuestro artista no necesita exprimirse el cerebro al analizar la obra de otros para pasar a la acción plástica, la intuición lo guía con ventaja.

Al ver sus esculturas también se me viene a la mente las obras de Richard Tuttle, el norteamericano que ha privilegiado el pequeño formato y los materiales pobres para desarrollar una obra rica e imaginativa. Incluso Xams me parece más desenfadado, más radical al comparar ciertas obras en que ambos se apoyan en el formato cuadro.

Una vez más Xams no ha agregado ningún comentario a estos trabajos, sus obras son sus mejores argumentos.

Him Rivera - Nuevas Pinturas

Horizonte Disponible

Por Ignacio Barrientos F.

El espacio del cuadro es un terreno común de exploración, desde esa experiencia puedo dar cuenta de la obra de otro artista.

Un joven pintor lo mancha todo, es lo que “debe” hacer, experimentar con todos los recursos disponibles. De a poco se hace la claridad en el caos. “Me dirijo a la claridad” decía Rothko.

Him Rivera ha pasado por todo esto. A través de los años ha hecho surrealismo, expresionismo abstracto, arte objetual, collage, esculturas, y también se ha hecho parte de una tradición que “llegó del futuro” a Chile a principio de los noventa, me refiero a la pintura de líneas.

Hay cuestiones que por economía de medios debemos asumir, Him también redujo la escala de sus obras. Así ha llegado al formato de esta exposición.

Pintado-despintado-pintado, desmaterialización del color, espacio vacío (influencia oriental). En estos cuadros parece que hubiese trabajado con fotografías y que las hubiese raspado, limpiado, repintado. Eso parece, aunque tal cosa no ocurrió directamente. Sí lo hizo en otro momento y de algún modo se ha traspasado a estas obras.

En cuanto al tema, el formato te dice que se trata de paisajes y las imágenes al acercarte lo confirman. En esta ciudad, en esta región no hay que ir lejos, todo tiene que ver con eso. Ahí está el agua y la línea del horizonte: la ciudad , los árboles y los seres flotan sobre esa “línea maestra”.

Tuve ocasión de contemplar la obra de Zobel,un español-filipino. Estas pinturas me lo recuerdan, eso sí en una versión más libre. Him retoma el paisaje donde Zobel lo ha dejado.
En estas pinturas aparece lo gestual, pero ese gesto surge dentro de una concepción previa del espacio y el vacío. Ocurre en todas las obras pero sólo en el cuadro de mayor formato de la sala se hace evidente.

El cuenta kilómetros de la nave espacial del pintor sorprendería al público, si supiese las horas y la distancia que ha recorrido el artista para llegar hasta aquí.
El formato no es espectacular, el lugar cotidiano: Un Café central de provincia. Un público quizás educado pero no especialista en temas de arte. Nadie se hace muy famoso aquí, pero siempre es un acierto encontrar arte de buena factura a la vuelta de la esquina.

Andrés Mann- Pintura Fresca

Todas las obras, técnica mixta sobre madera - 2009.

Kengo Kuma, el arquitecto matérico

Autor de casas de agua, aire o bambú, el proyectista japonés ha encontrado su lenguaje creativo en los materiales, más allá del espacio y la luz

Kengo Kuma ((Kanagawa, 1954) conoció la tradición arquitectónica de su país cuando salió a dar clases en la Universidad de Columbia en Nueva York, y cuando descubrió las interpretaciones de esa cultura hechas desde ojos extranjeros. Analizando esas visiones dio con una voz propia como arquitecto, que le lleva a valorar los materiales por encima de las formas. Autor de viviendas de bambú o cristal, ha firmado también museos (Kitakami Canal, 1994), edificios de oficinas (Suntory en Tokio, 2005) y, últimamente, espacios expositivos, como el que llevó a la Trienal de Milán. El nexo entre sus trabajos es la preocupación por los materiales.

Lee el artículo completo http://www.elpais.com/articulo/arte/Kengo/Kuma/arquitecto/materico/elpepuculbab/20090829elpbabart

Sobre Educación 2

Por Ignacio Barrientos

La educación en todo caso es una experiencia común, un tema cercano, del que todos podemos decir algo.
En lo que se refiere al conocimiento cada individuo puede buscar la forma de acceder a lo que le interesa. En la posibilidad está la clave. No todos han tenido la posibilidad, algo que ahora con internet parece resolverse.
El punto es aprender a buscar en la red. Ahí se necesitan ciertos criterios y los profesores deben hacerse cargo. Sin embargo en internet ocurre que el más hábil o el que tiene un espectro de intereses más amplio es el que lleva la ventaja y no siempre son los profesores sino los jóvenes. Por tanto el aprendizaje entre todos, en el que cada cual enseña lo que sabe, es la mejor forma de aprender. El profesor puede fijar ciertas direcciones o actuar de moderador del proceso, pero la información y el conocimiento ya no está sólo focalizada en él, está mucho más repartida.

Para mí, el modelo de conocimiento más relevante, ha sido siempre personal. El individuo en soledad o compartiendo en una situación precisa con el interlocutor adecuado. En la adolescencia el compartir con un amigo el libro o el disco que te interesa, el mostrarle el dibujo que has hecho o lo que has escrito, significaba siempre una evolución, un crecimiento. Por suerte contábamos con los elementos y los estímulos, pero como he dicho, con internet estamos frente a la posibilidad de cambiar muchas cosas y de modo radical.

Sobre Educación 1

Por Ignacio Barrientos

El sistema educativo en Chile, es como un gigante fatigado al que con distintas recetas se quiere poner de pie. A pesar de los esfuerzos se le doblan las rodillas sin poder alzarse.

Los planes y programas de estudio son pautas acerca de cómo dosificar hasta la exasperación unos contenidos que bien podrían tratarse en mucho menos tiempo. Una crítica fundamental al proceso educativo se refiere a esta dimensión temporal, ahora que en Chile se habla de jornada escolar completa, lo que significa más horas dentro de los colegios, más horas bajo rígidas directrices ¿y para qué?. En este punto planteo mi discrepancia.

Cualquier vida escolar conlleva muchas anécdotas, es la manera de compensar con humor, las largas horas de encierro y sin sentido. Si nos fijamos en nuestros recuerdos, sólo podemos dar cuenta de unas pocas imágenes destacadas dentro de una trama gris y de una especie de uniformado sopor interminable.
Menos mal que toda generación que se precie tiene sus protestas y revueltas estudiantiles, que son uno de los momentos lúcidos del proceso. Se aprende más en esos días que durante la rutina escolar.

Continúa

Comics by Paul Pope

Tú pareces el tipo de persona que piensa un poco en estos debates definitorios.

"Oh, sí. Especialmente habiendo ido a la escuela de arte y sufrido ese prejuicio high-art/low-art, con el que estoy completamente en desacuerdo. Estoy a favor de la habilidad. [La dicotomía high-art/low-art] es otra cosa que merece la pena ser destruída, diría, porque me parece que es una intimidación. Eso beneficia a los responsables de los museos. Realmente no beneficia a la gente creativa. Nunca me he sentido cómodo con eso, especialmente considerando que en la escuela de arte, donde yo fui a la escuela, había un gran prejuicio a favor de las video-artes, el trabajo conceptual, las performances. Algo que estuviera basado en técnicas tradicionales –tanto impresión como dibujos al natural, que es en lo que yo estaba interesado, y habilidad en el dibujo- se miraba despectivamente, lo que realmente me molestaba. Fui expulsado de la escuela de arte, pero finalmente llegué al punto en que podía tomar un cepillo de dientes como proyecto y muchas veces conseguía notas realmente buenas simplemente porque jugaba su juego".*


*Entrevista a Paul Pope,www.entrecomics.com

Obras de Him Rivera

Collage, técnica mixta sobre cartón, 2009

Oleo y Técnica Mixta, 2007-2009.
Cliquear sobre la foto para ampliarla

Him Rivera en la exposición de Ignacio Barrientos,DAE- UACH(2006)

XAMS El Maldito nos Habla del Futuro

Xams nos presenta alguna obras de su extensa producción . Un módelo a la hora de reciclar y hacer arte sin dinero.

Plástico quemado y pintado y una especie de corazón artificial en estos objetos-esculturas, Xams no es muy amigo de nombres y títulos.

El papel se recicla con acierto en este delicado objeto.

Muñecos-esculturas, nuestro artista, un maestro en esta categoría.

Picasso buscó inspiración en las máscaras africanas, XAMS une el plástico a lo "primitivo".

XAMS EL Maldito Nos Habla del Futuro

La obra de Xams sigue la línea del arte povera, también hay elementos de arte brut y no es como decía un detractor que XAMS cultive el feísmo. Su obra ha tenido el rostro duro de lo urbano y se levantaba en muchos casos de los cubos y de los contenedores de basura de la ciudad. Sin embargo creo que su arte habla sobre todo del futuro, en el sentido que el mismo es una remodelación, una reconfiguración plástica de un mundo arrasado, contaminado como es el que vivimos. Para XAMS era evidente que este mundo material y social estaba construído a partir de parametros matemáticos, ingenieriles y se preguntaba como sería un mundo construído a partir de un modelo plástico.

En cuanto al tratamiento de materiales desechados puedo decir que es sofisticado y preciso. He presenciado en su obra elementos como el fuego y el agua. Muchos de sus artefactos se sostienen a través de tuercas- mariposas, lo que delata fuerza. Hierro , plástico y color, este último genialmente administrado. Una estructura dura pero no fría, como XAMs siempre afirmaba.

Xams ha enviado las fotos y una frase que reafirma su experiencia y que propone como un módelo de acción:

EL ARTE NO SOLO ESTÁ EN LOS LIBROS Y EN LOS MUSEOS .
EL ARTE DEBE ESTAR EN LAS ESCUELAS Y EN LOS PUEBLOS .

El Artista y su Cuerda

Frank Stella

El Vendedor de Cielo

http://www.elpais.com/articulo/arte/vendedor/cielo/elpepuculbab/20090321elpbabart_1/Tes

Espacio Natural - Parte1

Foto: Ignacio Barrientos

El Bosque

Siempre el bosque ha sido un espacio deseado. Un lugar de descubrimientos y aventuras. Cuando niño situaba los personajes de los cuentos en los montes que circundaban la ciudad. Un tío iba a esos lugares, aunque el paso estaba prohibido porque tenían dueño. Un niño de todas maneras no podía ir. El regresaba a casa con objetos del bosque: Copihues, hongos, piñas de pinos. La expectativa de ir al bosque permaneció en mí.

Luego escuche una radionovela con una versión del Jorobado de Notredame. El refugio del extraño personaje era el bosque, ese lugar lo era todo para él. La historia producía una fascinación en mí. Luego vino Robin Hood y su banda de amigos con arcos y flechas.

A los diez años ya era el momento de concretar el deseo, entonces organice un paseo con mis amigos a un parque boscoso de la ciudad sin la presencia de adultos.

Las experiencias en la naturaleza han sido constantes y variadas en mi vida. El acercamiento a un espacio mayor y el contacto con otras especies y formas más allá delo urbano, amplía la conciencia.

En los últimos 15 años, las incontables excursiones por la línea de la costa y las montañas próximas son parte de una forma de vida.

Sin duda el arte que hago no es ajeno a todo esto.

ENTREVISTA AL PINTOR

Ignacio Barrientos (2008)

Por Paulina Riquelme

Hace aproximadamente 3 meses comencé con mi proyecto de “Entrevistas” a personas que tienen pasiones por cosas y que realmente necesitamos conocer. El primero fue un Fanático de la Música de Mike Patton. Ahora es el turno de Ignacio Barrientos, un pintor, que ama lo que hace y quiso compartirlo con este humilde blog.
Conocí a Ignacio Barrientos cuando entré a un taller que él dictaba. hace casi 5 años....casi todo lo que sé sobre pintura lo aprendí en ese taller (estuve 3 años seguidos).
Entonces no tanto preambulo, aquí les va lo que se me ocurrió preguntar y todo lo que me respondió, no le saqué ni le puse nada, que conste, es la puritita verdad (de fondo iría una canción de Bob Dylan...quizás The Wicked Messenger me gusta esa song) :


THE PINTER BEGINS:

¿Cuál fue el motivo por el que quiso dedicar su vida al arte? ¿O sólo fue un impulso?

De niño está el impulso de dibujar. Eso lo compartía con mis hermanos, además de los cuadernos del colegio, siempre tuvimos cuadernos personales de dibujo. Gastábamos uno tras otro, mientras la lluvia en nuestra ciudad sonaba de fondo.
A partir del golpe de estado, tenía 15 años en esa fecha, me fui desconectando de a poco con esa sensación de intimidad que me proporcionaba el dibujo. Esto sólo logre recuperarlo diez años más tarde, también cuando las cosas en el país comenzaban a cambiar.
Creo que la clave fue reconocer que el dibujo y la pintura eran una conexión directa con mi interior. Muchas otras actividades las sentía como alienantes, no estaba en mí al realizarlas.
Creo que los motivos son impulsos razonados. Uno importante es la sensación de libertad que asociaba con la práctica de la pintura y por eso la convertí en mí oficio. No tener jefes e ir por donde quiera con mis trabajos. Debo reconocer que esto se ha cumplido muchas veces, pero otras ha representado problemas económicos que no dan libertad precisamente. En todo caso el ideal de libertad aguarda aún por una realización plena.

¿Cuáles fueron sus primeras influencias, en lo que a pintura se refiere?

En la adolescencia las acuarelas de Hermann Hesse, el escritor, que también tiene una faceta menos conocida de pintor. Las ilustraciones para La Metamorfosis de Piktor, un cuento casi privado de Hesse. Imágenes oníricas, semi infantiles. Luego antes de marcharme del país, Chagall y sus ángeles. También con una figuración más mágica que realista.
Luego en España casi de golpe Rothko, Klein, Picasso, ¡Y podía verlos en directo! además un pequeño pintor californiano a quien acompañaba una enorme musa de color, me paso una lista con los pintores que debía conocer y fue muy útil. En ella claro, había muchos expresionistas abstractos.


UNA PEQUEÑA CLASE:

¿Cuáles fueron las primeras técnicas que usó y como las descubrió, también podría explicar un poco en qué consiste esa o esas técnicas?

El 86 al llegar a España, se comenzaba a vivir algunos años de euforia respecto a la pintura y al arte en general y los medios prestaban atención a los pintores jóvenes, en particular a Miquel Barceló, un artista de mi edad, pero que había hecho las cosas en los tiempos correctos, no con un gran paréntesis como el mío. Sus cuadros, más bien expresionistas tenían una desprejuiciada figuración y una cosa que llamaba la atención eran sus espesas texturas. En realidad como pintor yo tenía unos 10 o 12 años menos que él y una curiosidad juvenil. Estaba impresionado y quería averiguar como hacía esas texturas, fui a un taller cerca de mi barrio y le pregunté al profesor, pero no saque nada en limpio. Luego en la ferretería pregunté cómo podía hacer una mezcla espesa para un cuadro y el dependiente me respondió: “Cada maestrillo con su librillo”. Esa respuesta me quito la esperanza de encontrar un atajo y me puso en el inevitable y largo camino de la experimentación.
Así después de mucho tiempo y de hundir literalmente los cuadros con el peso de las texturas, llegue a la sustancia ideal: La ceniza.


THE HAPPINESS:

¿Cuáles han sido las mayores alegrías que le ha dado su trabajo?

La respuesta podría ser expansiva tratándose de hablar de momentos alegres, pero la respuesta es más discreta. Las alegrías que me ha proporcionado son sutiles. Dejemos de lado las supuestas alegrías de la realización profesional, porque no he hecho carrera con este oficio hasta el momento. No tengo logros en ese plano que se puedan medir en términos de reconocimiento o prestigio tan queridos por las instituciones y tan útiles en términos de marketing.
Alegría es contemplar una obra de arte valiosa, casi perfecta y hay muchas que podría mencionar por propia experiencia contemplativa. Por citar un ejemplo: Montaña y Nieve de Kirchner, que está en el museo Thyssen. Como representación de la nieve y como color en un cuadro, ese blanco es simplemente perfecto. Su contemplación es un momento de una alegría de mucha calidad diría.
Por supuesto también es una alegría la del trabajo bien realizado.
En principio mi relación con los cuadros era bastante tormentosa, pasaba del entusiasmo a la desesperación y muchos cuadros se perdían de modo irremediable. Lo peor era que la frustración no de desvanecía hasta cuando te reivindicabas con otra obra. Ese camino era duro para la persona pero bueno para el arte. Richard Tuttle dice que el arte viene acompañado de un demonio y que debes hacer las paces con él para que todo fluya.
Ahora todo es más tranquilo, igual en el proceso de pintar se pasa por todos los estados de ánimo pero de modos menos marcado, la excursión es más controlada. La serenidad es una aspiración de vida. Una alegre serenidad es casi la perfección. Al arte no le pido nada más ni nada menos que eso.


WORK IN PROGRESS

De que se trata la obra en la que está trabajando actualmente?

Se trata de una exploración espacial, espero moverme bien con el traje de astronauta…
Claro, antes de mí ha habido otros exploradores… todo eso lo tengo en cuenta a la hora de enfrentar el desafío de la pintura, la misión tendría que producir nuevos descubrimientos.
En estos tiempos muchas obras se desarrollan “afuera”, implicadas en procesos sociales en forma de denuncias y documentos.
Por mi parte mi obra está situada “dentro”. Una vez más podría hablar de cierta tradición en que el artista observa su entorno con especial atención mediante excursiones por la naturaleza y luego vuelve a la tranquilidad y al ambiente controlado de su taller para sintetizar sus impresiones y configurar su obra. El paisaje natural y urbano tiene mucha importancia en esto.
Intentaba hacer una especie de collage con trozos de tablas, pero el resultado no me satisfacía, entonces pensé que necesitaba una estructura más clara y precisa, así llegue a los módulos de madera.
Los módulos sintetizan diversas relaciones con el entorno pero también con el espacio de la sala donde se exponen. Digamos que el color y la forma se mueven por toda la sala. El formato multidireccional de los módulos en las dos pasadas exposiciones ya apuntaba a esto pero ahora se hace más claro. Voy hacia la unidad mínima en pintura, en teoría esto es un punto de color en el espacio. En concreto es un poco diferente, pero se trata de una liberación de la forma-color y también de una liberación de la posición del observador. La idea es que todo esto sigue siendo pintura y no se trata de una instalación.
A diferencia de los minimalistas que excluyen los temas de las obras, las mías (que en parte toman su apariencia) recogen y relacionan temas llenándose así de significado.


OTRAS INCURSIONES:

Aparte de la pintura ha tenido otras incursiones en el mundo de las artes?

Si hablamos de las artes en sentido amplio, podría decir que he escrito poemas y cuentos. Un pintor que escribe poemas. En esto me siento más cerca del modelo de la tradición chino-japonesa.
Ahora me interesa la fotografía. He tomado fotos los últimos tres años para mi blog, El Mirador de los Pinos. Creo que es hora de hacer una exposición con todo eso.
En las últimas exposiciones 2006-2007, he complementado el trabajo de pintura con series de fotografías, el tema ha sido: El color en casas y edificios.
A partir de esto desarrollaré más la fotografía con otras series y temas. Es una técnica ágil por tanto muy útil para registrar muchas ideas, hay que recordar que un artista, como cualquier individuo no cuenta con todo el tiempo del mundo. Tan largo el arte, tan breve la vida cantaba Tom Jobim.

FINAL:

¿Cuál es la evaluación de lo que le ha dejado a su vida haber tomado el camino del arte?

Más bien expresaría un deseo, que los platos rotos ojalá no hubiesen sido tan caros. Por lo demás soy un privilegiado.

THE END